|   El Extravagante Feminismo de la Artista de Culto Florine Stettheimer

El Extravagante Feminismo de la Artista de Culto Florine Stettheimer

Posted on Posted in Arte moderno

By Alexxa Gotthardt

Florine Stettheimer era una pintora de gustos excéntricos y extravagantes.

“Me gustan las zapatillas de oro / me gustan las ostras frías / y mi jardín con flores mixtas / y el cielo lleno de torres”, declaró en un poema escrito a principios del siglo XX.

Sus lienzos semejantemente rebosaron de galas chispeantes, de ramos lujuriosos, y rascacielos altísimos. Pero dentro de estas composiciones etéreas, también incorporó algunas de las imágenes más subversivas de principios del siglo XX: la inclinación de género, las representaciones sensuales de sí misma y su comunidad (que incluía a Marcel Duchamp y Georgia O’Keeffe) que recientemente han sido reconocidos, abriendo camino al arte feminista.

Creciendo en medio de la era del Jazz de Nueva York

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Stettheimer llegó a la mayoría de edad a principios de 1900, durante el Renacimiento de Harlem y la era del jazz, cuando la música y la danza radicales corrieron a través de barras y de clubs subterráneos de New York City. Los movimientos vanguardistas Dada y Surrealismo también estaban arraigándose en la metrópoli, revolucionando lo que el arte podía ser y expresar. Mientras tanto, las columnas sociales hablaban de la aparición de una “mujer nueva” que era más activa en la esfera pública (aunque preferiblemente todavía casada y dedicada a la puericultura). Todos estos cambios tocaron a Stettheimer, ya que a su vez influyó en la cultura de su tiempo.

Ella nació en Rochester, Nueva York, en 1871 con un padre judío rico que se hizo a sí mismo de abajo, proporcionadole comidadades a su familia. En su ausencia, el “gallinero” de la familia estaba dominado por mujeres. Mientras que la hermana mayor se casó y se mudó a una edad temprana, Rosetta, la madre, y sus tres hijas restantes, Florine, Carrie, y Ettie, vivieron juntos por el resto de sus vidas.

Las cuatro damas eran considCaptura de pantalla 2017-03-20 a las 12.27.25 p.m.eradas un grupo de solteronas por algunos forasteros, pero para los que las conocían bien, eran una banda de pioneras sin restricciones. Viajaron por Europa durante las juventudes de las muchachas, aterrizando de nuevo en Nueva York durante la Primera Guerra Mundial. Florine seguiría estableciendo allí su vida como pintora en el corazón de un círculo social libre.

El mundo del estudio de Stettheimer. El nexo de la vida adulta de Stettheimer, así como su legado perdurable, era su estudio. No sólo pintó en una habitación extravagante con vistas al Bryant Park de Manhattan, sino que también se convirtió en el centro de atracción de las luminarias creativas más brillantes de Nueva York.

 

Durante las décadas de 1910 y 20, Stettheimer y sus dos hermanas, Ettie y Carrie, eran conocidas como salonistas antes que artistas o escritores. Y Florine, en particular, atrajo a sus amigos cercanos -los artistas Duchamp, O’Keeffe, Alfred Stieglitz, Gastón Lachaise y Carl Van Vechten- para discutir sus inspiraciones y trazar planes para obras de arte atrevidas. Se ha conjeturado, por ejemplo, que algunas de las obras más grandes de Duchamp, como su alter ego Rrose Selavy, fueron inspiradas por Stettheimer y sus hermanas.

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En su estudio, las mujeres y los hombres existían en igual campo de juego como era posible en ese momento. Y Stettheimer llevó el punto a casa con una pintura colocada estratégicamente de su propia creación. Un modelo (autorretrato desnudo) (hacia 1915) colgaba en el centro de la habitación. Se representaba a sí misma, completamente desnuda y mirando con confianza a cualquier invitado o fiesta que pudiera materializarse en el espacio.


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Para una mujer pintarse desnuda era algo sin precedentes en ese momento. Y Stettheimer estaba llena de orgullo: no sólo la convirtió en la pieza central de la sala, sino también en el punto focal de una pintura posterior.

Soireé (alrededor de 1917) muestra a los miembros del círculo social de Stettheimer descansando y examinando las pinturas. Los artistas Gaston Lachaise y Albert Gleizes, el escritor Ettie Stettheimer, el dramaturgo Avery Hopwood y el poeta hindú Sankar están presentes. El crítico Leo Stein sentado en el centro de una pequeña alfombra roja como el núcleo de esta constelación creativa, pero es Stettheimer quien está claramente dominando este universo desde su perca en A Model (Nude Self-Portrait).

Fue precursora del movimiento feminista

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Stettheimer aludió a la escandalosa naturaleza de la obra, como ha señalado la erudita Barbara Bloemink, al insertar en la escena a Juliette Roche Gleizes (una artista y esposa de Albert) con los ojos deseosos en la pintura, con una expresión de shock en su rostro . No era una reacción rara a la obra de Stettheimer, que no encajaba fácilmente en ninguno de los movimientos en flor en la era.

Ciertamente había elementos del surrealismo y de Dada en sus pinturas, pero fueron pasados por alto regularmente por los críticos y los eruditos (ambos durante su vida y después), que se centraron en sus aspectos femeninos. Sus aerosoles de flores, las escenas teatrales de la vida neoyorquina y las damas supinas envueltas en puntillas eran demasiado a menudo mal entendidas como primos de espuma rococó, pintura ingenua o arte decorativo.

Pero una lectura más cercana de estas características revela no sólo una fusión radical de influencias vanguardistas, sino también una celebración de la feminidad -y la autonomía femenina- que hoy se lee con descaro feminista.

El retrato de familia de Stettheimer, II (1933), muestra al artista, a su madre ya sus hermanas en un paisaje surrealista que es una amalgama de su hogar, el horizonte de Manhattan, y un arreglo de levitación de flores más grandes que la vida. Símbolos antiguos de la feminidad y el sexo femenino, las flores ocupan el centro del escenario. Cada una de ellas, como la estudiosa Linda Nochlin ha conjeturado, podría representar a una de las hijas de Stettheimer-estallando con individualidad irreprimible.

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Es significativo que no hay un hombre a la vista en la composición. En cambio, Stettheimer se presenta en su traje de pintura, que se asemeja a la moda masculina. Pero ella no sacrifica su feminidad explorando su libertad para usar ropa de hombre o asumir roles tradicionalmente masculinos. Los brillantes tacones rojos de sus pies hacen hincapié en su visión de que ella puede ser todo a la vez, un ser fluido de género y una mujer independiente.

Uno de los poemas de Stettheimer subraya el poder de su autoconfianza y su deseo de librar al mundo de aquellos hombres que se ofendieron por su autonomía. “Ocasionalmente”, escribe, “un ser humano vio mi luz, entró corriendo, se puso a cantar, se asustó, salió corriendo, llamó fuego. O sucedió que trató de someterlo. O sucedió que trató de extinguirlo “. Más tarde en el poema:” Por cortesía, encendí una suave luz rosa, que se encuentra modesta, incluso encantadora. Es una protección contra el desgaste y las lágrimas. Y cuando me deshago del Siempre-a-ser-Extraño, enciendo mi luz y me convierto a mí mismo. “

Esta luz resplandece en todas las pinturas de Stettheimer, revelando el espíritu desenfrenado de la artista y su cuerpo de trabajo revolucionario y liberado.

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